Vender o no vender? Patrimonio, sustentabilidad y participación cultural.

La @operadeparis anunció una gran venta de prendas de su colección de vestuario en desuso, una acción que tiene varias ventajas significativas:

1. La venta de piezas sin valor histórico es una práctica usual en muchas casas de ópera, y permite recaudar fondos esenciales para la institución, que se destinan a la renovación de infraestructura, la creación de nuevos proyectos artísticos o la mejora de su oferta cultural.

2. Libera espacio de almacenamiento, optimizando la gestión del inventario, reduciendo costos asociados a su mantenimiento y facilitando el acceso a las piezas de vestuario que sí tienen valor histórico y cultural.

3. La difusión pública de una actividad diferente y atractiva apta para todas las edades hace que el evento atraiga a diferentes sectores de la comunidad, promoviendo un mayor interés y participación en las artes escénicas.

4. Sustentabilidad: Otras instituciones, compañías teatrales o coleccionistas pueden acceder a estas piezas, dándoles una segunda vida y ampliando su impacto cultural.

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¿La música puede transformar la economía de una ciudad?

Shakira hizo historia en Copacabana la semana pasada: Más de 2 millones de personas vibraron en la playa más famosa de Rio de Janeiro. Su recital gratuito generó un impacto económico récord de cerca de U$160M, superando los shows de Madonna en 2024 y Lady Gaga en 2025. 

Más allá del espectáculo, el evento impulsó el turismo, el comercio local y consolidó a Rio como capital mundial de grandes eventos. Para el gobierno local, estos megashows son parte de una estrategia de desarrollo económico-cultural basada en la creación de oportunidades en sectores que requieren de  personal de manera intensiva, como servicios, gastronomía, alojamiento y eventos.

El proyecto forma parte de una política de posicionamiento internacional de la ciudad, consolidando a la Cidade Maravilhosa como uno de los grandes escenarios del mundo, en el que todos los grandes artistas quieren presentarse.

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Merchandising de museos: La Gioconda en versión Marine Serre

Un museo inspira al diseño, y el diseño se expande hacia el museo a través de una colaboración que termina beneficiando al público: Marine Serre en el Louvre y su vestido La Gioconde, presentado en la reciente semana de la moda de Paris. 

En esa última colección, la diseñadora francesa reinterpretó a la Mona Lisa en un vestido que fragmentó y rearmó la obra sobre el cuerpo de una modelo. La prenda se convirtió en un mosaico vivo, con un diseño inspirado en lo que tal vez sea la obra más representativa del Louvre y, al mismo tiempo, ayuda a que el arte viaje más lejos. Cómo?

La colección se complementa con una línea de remeras de la diseñadora en venta en el shop del museo. Tal vez así se complete un círculo que nos lleva de tener que apreciar la obra maestra de Leonardo Da Vinci tras vidrios blindados (lamentablemente), a la calle y al alcance de quienes quieran vivir la ilusión de llevarse consigo la Gioconda.

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El corazón del público rescata un corazón histórico

Un gran caso de fundraising cultural: El @britishmuseum lanzó una campaña en octubre para comprar el Corazón Tudor, una joya de oro del siglo XVI vinculada a Enrique VIII y Catalina de Aragón. Gracias al apoyo de más de 45.000 personas y varias instituciones, 2 meses antes del deadline recaudaron los £3,5 millones necesarios para asegurar que la pieza histórica permanezca en el patrimonio público. (Según la ley local, el estado recibe la primera opción de compra en artefactos de valor histórico que estén en manos de privados. Y así nació la campaña).

Este gran logro destaca la importancia del compromiso colectivo para preservar el patrimonio cultural, evidenciando cómo hasta las instituciones culturales más importantes del mundo necesitan apoyo constante en su búsqueda de recursos para seguir cumpliendo con su misión cultural. 

Esta vez, el corazón del público entendió que el Britisg Museum es ellugar ideal para custodiar esta  pieza única en su historia.  

 

#PatrimonioCultural #FundraisingCultural #BritishMuseum #TudorHeart #MarketingCultural #Heritage #Patrimoine #HenrytheVIII #Crowdfunding #Fundraising 

Qué tienen en común el mayor carnaval del mundo y la ópera?

Beija-Flor – mi escola de samba favorita desde los tiempos de Joaozinho Trinta- - volvió a demostrar que el Carnaval de Río de Janeiro es una de las producciones artísticas más monumentales del planeta. Y que tiene muchísimo en común con el mundo de la ópera y el ballet. 

Una música que sostiene todo, ya sea con una filarmónica o una batería de samba; vestuarios, escenografías, coreografías y efectos especiales que transforman los espacios en una gran fiesta; artistas talentosísimos que muestran como nadie lo que es trabajar con pasión y disciplina; equipos técnicos que nos regalan siempre su perfección; y un escenario o sambódromo que nos narran, a través de historias –pequeñas o colectivas- la identidad que reúne y representa a comunidades. 

Estas experiencias que reúnen a públicos diversos frente a un acto de belleza y alegría, pero también de introspección e inspiración, también son importantes motores económicos, generando empleos, turismo, desarrollo de tecnología, y proyección internacional. 

Los carnavales de Río, Venecia, el del altiplano andino o el Mardi Gras de New Orleans atraen visitantes de todo el mundo, al igual que las mejores temporadas de ópera en NY, Viena, Milán o París. Estos dos mundos que parecerían tan diversos, son manifestaciones de una misma fuerza: la del arte como legado cultural, construyendo identidad, creando puentes entre las personas, e inspirándonos en todo el planeta. 

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Chagall a la venta en el Met de NY

 

El Metropolitan Opera de Nueva York anunció que planea vender 2 inmensos murales de Marc Chagall, realizados en 1966, para enfrentar una delicada situación financiera (mientras un acuerdo por apoyo económico de Arabia Saudita no termina de concretarse). 

Tasados en 55 millones de dólares, los murales permanecerán en su lugar ya que el comprador estará obligado a mantenerlos en su emplazamiento actual. Este hecho revela cómo las organizaciones culturales, ante la caída de ingresos, buscan aprovechar sus recursos patrimoniales propios para generar sostenibilidad. 

Este "pensar fuera de la caja" significa encontrar fórmulas que permitan que el arte siga siendo accesible - como en este caso tan controvertido- mientras se lo explota de un modo impensado. (La idea no deja de ser una interesante variación sobre el concepto de "naming"). 

En un contexto global en el que cada vez más, el campo de la cultura se considera una frivolidad, no hay que olvidar que la actividad artística es una inversión en identidad, en desarrollo social y económico, y en el futuro. La responsabilidad de desarrollar recursos frente a las necesidades económicas puede convivir, siempre con el deber de preservar y de compartir la belleza que nos define como seres humanos. Y eso, es el arte, en todas sus disciplinas, variaciones, y formatos.

 

Mozart meets Kardashian

¿Quién hubiera imaginado que el aria reversionado de la Reina de la Noche de Mozart sería el soundtrack de un lanzamiento de SKIMS, la marca creada por Kim Kardashian, en colaboración con Nike? El video, coreografiado por Sergio Reis, crea un puente entre moda funcional, cultura pop y ópera. 

En este cruce de mundos, una influencer mediática se acopla de una forma velada a la considerada "alta cultura", mientras la marca global vuelve a mostrarse innovadora y transversal. Y ojalá, quien sabe, hay a quienes vean este video y descubran la belleza de La flauta mágica?

 

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Artketing en Paris!

 

Durante Art Basel Paris, Louis Vuitton reveló esta semana su más reciente colaboración con Takashi Murakami,  la colección Artycapucines VII, con una gran instalación en el recientemente renovado Grand Palais, protagonizada por una escultura de un pulpo de ocho metros de altura. Esta alianza, que retoma el vínculo creativo iniciado en los años 2000 entre la griffe y el creador del flat art, ejemplifica el concepto francés del Artketing: Una estrategia que integra el arte en la narrativa de una marca, generando valor simbólico, emocional y comercial. 

 

El beneficio es un triple win: la marca se posiciona como actor cultural, validando su accionar más allá de lo puramente comercial;  el artista amplía su universo visual relacionándose con productos de consumo que lo inspiran más allá de sus soportes habituales (carteras de colección, en este caso); y el público accede a una experiencia que trasciende el consumo, ya que puede disfrutar de una propuesta artística de calidad sin necesidad de consumir el producto vendido por la marca.

Y esto, es 100% Artketing!

Entrevista para KunturLab Latino

KunturLab explora cómo la vertical de CultTech es una nueva forma de hacer negocios, donde cultura, arte y tecnología convergen para transformar las industrias culturales y creativas de América Latina en startups innovadoras y sostenibles. 

 

Para su último newsletter, conversé con Nohelia Sánchez y Carina Valoni acerca de la importancia del Marketing Cultural y cómo beneficia a  proyectos artísticos, a las marcas que los respaldan y a sus públicos, en un verdadero triple win. Leer la entrevista aquí

Creo profundamente en el triple win: Cuando marcas, artistas y públicos se conectan desde valores compartidos, todos ganan. Las marcas se posicionan como agentes de valor, los artistas encuentran nuevas formas de sostener y promover su trabajo, y los públicos acceden a experiencias mucho más ricas y diversas.

Los aportes monetarios son importantes, pero los no monetarios —como la difusión, el acceso a infraestructura, productos o servicios, o la capacitación— pueden dejar legados duraderos. Una marca puede involucrarse con la cultura sin apropiarse de ella si asume un rol de facilitadora y respeta siempre, siempre, la independencia creativa.

Creo plenamente que el respeto por la autenticidad y los valores copmparidos es vital para transformar una alianza comercial en una relación de confianza. Hoy, las comunidades no se construyen no sólo desde la fidelización, sino también desde el propósito.

En nuestro mundo hiperconectado, muchas marcas buscan alinearse con tendencias globales sin perder relevancia local, y cuando una marca comprende el poder de la cultura y lo respeta, deja de ser un simple sponsor y pasa a formar parte de un ecosistema vivo, donde arte, comunidad y empresa se potencian mutuamente y ayudan a construir entre todos, un mundo más tolerante, abierto y mejor.

El sentido de pertenencia es, hoy más que nunca, el nuevo valor de marca, y esto también aplica a los productos y servicios culturales.

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Artketing 100%: Almodóvar + Roche Bobois

 

La colaboración entre Pedro Almodóvar y la firma francesa Roche Bobois es el universo estético del cineasta trasladado al diseño de interiores. La línea de muebles y accesorios que ideó refleja su sello inconfundible con colores intensos, dramatismo visual, guiños pop y una narrativa que convierte cada objeto en una escena posible para los fans del cineasta. 

Porqué estas colaboraciones son tan interesantes? A  Almodóvar esta alianza le permite ampliar su lenguaje artístico más allá del cine, explorando la materialidad del deseo y la identidad en un espacio doméstico. Para Roche Bobois, es una oportunidad para actualizar algunas de sus icónicas piezas, conectarse con un público sensible al arte, al cine de autor y a la cultura iberoamericana, abriendo nuevas puertas en mercados más jóvenes. 

El público de Almodóvar puede literalmente “habitar” su imaginario, mientras la marca se asocia con una figura que encarna sofisticación e irreverencia. Este tipo de alianza entre artistas y marcas consolidadas permite que el arte dialogue con la vida cotidiana, y que el diseño se vuelva experiencia, emoción y pertenencia.

 

 

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ENCENDER LA CHISPA- Congreso AEDROS 2025.

 

El 29/9 a las 11:00, junto a mis colegas Juan Marcos de Vera y Marcelo Figari (Universidad Hospital Italiano), Sofía Canale (consultora independiente), y Mónica Carrillo (Myriad USA) estaremos presentando un “Check list para un despegue exitoso de la estrategia de cooperación internacional”. El taller se llevará a cabo en el marco del 16º Congreso Latinoamericano de Fundraising de AEDROS, en la Universidad Católica Argentina (UCA).

El taller propone trazar el camino para iniciar la captación de donaciones desde el exterior y se presentará el caso del relanzamiento de la oficina de Desarrollo de Fondos de la Universidad Hospital Italiano como caso práctico.

 

En este marco presentaré las diferencias y semejanzas en los procesos de fundraising y colaboración internacional entre instituciones culturales norteamericanas y argentinas. Inscripciones en @https://congresoaedros.org/ Los esperamos!

Marketing Cultural en la Maestría en Cultura Pública de la Universidad Nacional de las Artes (UNA)

 

Recientemente tuve el honor de dar una clase sobre marketing al servicio de la actividad cultural, en la Maestría en Cultura Pública de la Universidad Nacional de las Artes (UNA), para el seminario “Economía y Valor de la Cultura Pública”. 

Hablamos sobre cómo el marketing puede ser un aliado estratégico para potenciar la actividad cultural, en un encuentro enriquecedor con profesionales de diversas disciplinas que comparten la pasión por la gestión pública y las artes. 

La capacitación en marketing es clave para los gestores culturales: nos permite comunicar mejor, conectar con nuestros públicos y generar valor real para los proyectos, sus comunidades y también sus aliados. Mirar qué se está haciendo en otros lugares del mundo, inspirarnos y adaptar esas ideas a nuestra realidad local es una herramienta poderosa para innovar sin perder identidad. 

Hacer marketing no es vender. Es ofrecer valor. Valor para los proyectos culturales, para sus públicos y para los partners que los ayudan a concretarse. Gracias a @ianinagrimblat por la invitación y por generar este espacio de reflexión y formación.

Memento Mori en tiempos de marketing post mortem.

 

Damien Hirst, enfant terrible del arte contemporáneo, anunció que tras su muerte se pondrán a la venta 200 cuadernos con obras inéditas, uno por año, certificados por sus descendientes. Un gesto que, más allá del escándalo o la genialidad, nos obliga a repensar el vínculo entre arte, memoria y mercado. ¿Estamos ante una sofisticada operación comercial que convierte la muerte en calendario y la memoria en mercancía? 

 

El concepto de memento mori —“recuerda que morirás”— atraviesa la historia del arte como recordatorio de la fugacidad de la vida. Pero en manos de Hirst, se transforma en estrategia: la muerte no como final, sino como dispositivo narrativo. Cada año, una obra, y la ausencia se convierte en presencia ritualizada. Hirst nos recuerda que el arte puede sobrevivir al artista, pero también que el mercado sabe cómo coreografiar esa supervivencia. 

 

En este cruce entre filosofía, estrategia y provocación, el memento mori se convierte en una herramienta de permanencia.

 

A goal in life: Lionel Messi, by Refik Anadol

A goal in life: 

Cuando el arte, la tecnología y la emoción se entrelazan, nacen experiencias transformadoras. 

 

En Living Memory: Messi -A Goal in Life, Refik Anadol reimagina el icónico cabezazo de Leo Messi en la final de la Champions League 2009, fusionando datos del partido, señales biométricas y memorias emocionales en una obra inmersiva creada con IA. 

 

La instalación será subastada por Christie’s y lo recaudado destinado a favor de organizaciones sin fines de lucro, amplificando su impacto más allá del arte. 

 

Esta colaboración homenajea un momento épico deportivo a través del arte contemporáneo y muestra cómo las alianzas entre artistas y otras disciplinas del quehacer humano pueden generar un impacto cultural profundo, conectando con audiencias desde lo sensible. La obra pudo visitarse en el Rockefeller Center de NY hasta fin de julio pasado.

 

MacDonalds y su hallazgo arqueológico en Roma...?

Una estrategia creativa de MacDonalds en Roma unió lo antiguo a la actualidad, con una acción que mezcló historia, arte y branding de manera inesperada. 

 

En un local ubicado en la Galleria Alberto Sordi, se acaba de "descubrir" un mosaico que realizado en la época romana... pero al mirarlo atentamente, se ve que incluye productos de la marca. Para darle mayor realismo a la iniciativa, que de alguna manera acerca una técnica milenaria al público, "arqueólogos" analizaban la obra como si se tratara de un hallazgo histórico. 

 

Arte, tecnología y negocios: Primer CultTech en Argentina

 Cultura + Tecnologìa + Negocios: Esto es CultTech.

Este 13 de junio descubrí qué es y por qué está revolucionando cómo encaramos la creatividad, la competitividad, y nos conectamos con sectores que tal vez no nos parezcan afines.

Estaré participando del panel sobre Inversión y Financiación en CultTech junto a otros especialistas del sector. Gracias a @KunturLab por la invitación!

- Evento ONLINE, GRATUITO y desde un estudio XR en Córdoba.
- Conectá con mentes creativas, startups e instituciones que ya están transformando el sector.

11AM | Hora Argentina
Los esperamos! Inscríbite acá: https://lnkd.in/djF4wapR

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Otro triple win: Disney, la Galleria dell´Accademia, y el público

En un nuevo clásico ejemplo de Marketing Cultural, Disney está a punto de lanzar la película "Lilo & Stitch" con una sorpresa especial: parte de la historia transcurre en Firenze, con la Galleria dell’Accademia como aliada en esta aventura. Teaser

El arte y la cultura se suman a la magia del cine, creando una experiencia más rica para todos:

Para el museo, es una linda oportunidad para acercarse a nuevas generaciones de una forma muy simpática (y que le genera buenos ingresos!) y hacer que su patrimonio cobre vida más allá de sus muros.  

Para Disney, es una manera de dar mayor profundidad a su película, integrando la historia y el arte de una forma auténtica. 

Para los chicos del público, es una invitación a descubrir un museo legendario y a conectar con la cultura de una manera fresca y divertida. 

Estas colaboraciones demuestran que el arte no es solo para expertos, ni el entretenimiento únicamente para el consumo rápido: Así se construyen puentes que unen el pasado con el presente, haciéndolo accesible para todos.

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Vender o no vender (patrimonio teatral)

 

Sí o no? La Comédie-Française anunció a fines del 2024 la venta de prendas de su colección de vestuario que ya no utiliza, una acción que tiene múltiples ventajas significativas. Veamos algunas de ellas:

 

1. La venta de piezas que no poseen valor histórico es una práctica usual en muchas casas de ópera, (no sólo de vestuario sino también de utilería),  y es una decisión muy  importante porque permite recaudar fondos esenciales para la institución. Este ingreso adicional puede destinarse a la renovación de infraestructura, a la creación de nuevos proyectos artísticos o la mejora de la oferta cultural. 

 

2. Esta venta permite liberar espacio de almacenamiento, tan importante en teatros que poseen "fábrica" propia, optimizando la gestión del inventario, reduciendo costos asociados a su mantenimiento y facilitando el acceso a las piezas de vestuario que tienen un verdadero valor histórico y cultural. 

 

3. El aumento de la difusión pública a través de una actividad divertida e interactiva, apta para todas las edades. Estas ventas suelen convertirse en eventos especiales muy prensables,  que atraen a diferentes sectores de la comunidad, promoviendo un mayor interés y participación en las artes escénicas. 

 

4. Sustentabilidad: Al reutilizar y reciclar estos trajes, se evita el desperdicio y se abre la posibilidad de que otras instituciones, compañías teatrales, o coleccionistas adquieran estas piezas, dándoles una segunda vida y ampliando su impacto cultural.

 

Estos son los puntos más importantes a tener en cuenta al momento de definir la venta de elementos en desuso. Cada teatro en cada lugar tendrá seguramente que resolver temas administrativos para poder hacerlo (baja de inventarios, resolución de donaciones, etc.), pero ya no quedan dudas que es una actividad aceptada internacionalmente y que puede ser copiada por muchos teatros del mundo. 

Los girasoles de Van Gogh, por LEGO

El pasado 1º de marzo se lanzó el set LEGO Art Vincent van Gogh - Girasoles, fruto de la colaboración con el Museo Van Gogh de Ámsterdam. 

 

Estas asociaciones creativas  representan un clásico triple win en Marketing Cultural:

 

1. Para el museo: Permite difundir la obra de Van Gogh a un público de todas las edades y, seguramente, recibir un porcentaje de las ventas, ayudando a solventar gastos. 

2. Para la marca: Invierten en un proyecto que es mucho más que comercial, manteniendo el espíritu creativo y cultural que los caracteriza. 

3. Para los fans de LEGO y Van Gogh: Reúne en este kit dos elementos que aman y les permite explorar su creatividad mientras rinden homenaje a un maestro del arte.

 

Estas alianzas nos muestran una y otra vez porqué es tan importante la inversión en co-branding, entre  marcas y  organizaciones culturales.